Arte Popular Brasiliana: diventa sempre più popolare. All’inizio di questa primavera, l’artista Julia Isídrez ha condotto una visita guidata informale presso la galleria Gomide & Co. di San Paolo. L’occasione era una mostra congiunta che presentava le sue opere insieme a quelle di Maria Lira. A prima vista, le due artiste non sembrano avere molto in comune. Appartengono a una generazione diversa e lavorano in contesti e con tecniche diverse. Lira è brasiliana e lavora principalmente con la pittura, mentre Isídrez è una scultrice paraguaiana che ha partecipato alla Biennale di Venezia del 2024. Ma il gallerista Thiago Gomide vede molte somiglianze nel loro lavoro, poiché entrambi affrontano le tradizioni artistiche indigene e afro-indigene da una prospettiva contemporanea.
Arte Popular Brasiliana: arte popolare contemporanea
Gomide è solo uno dei pochi individui di una piccola ma influente rete di mercanti brasiliani che hanno contribuito a cambiare il riconoscimento dell’arte popular (arte popolare), un’etichetta che comprende anche termini come “folk”, “naïf”, “outsider” e “autodidatta”. È stata spesso applicata a coloro che hanno lavorato al di fuori dei percorsi artistici tradizionali; molti di loro hanno anche radici indigene o nere. Come per la maggior parte delle cose nel mondo dell’arte, ci sono stati alti e bassi nell’interesse per questi artisti, con il primo periodo di grande interesse che va dalla fine degli anni ’40 alla fine degli anni ’70.
“Con l’ascesa dell’arte contemporanea in Brasile, questi nomi cosiddetti ‘popolari’ sono stati relegati all’oblio nel mercato dell’arte”, ha affermato Vilma Eid, proprietaria della Galeria Estação, che è stata anche una figura chiave nella recente promozione dell’arte popolare brasiliana. L’arte popolare e, per estensione, l’arte naïf, sono tuttavia diventati termini perenni nel panorama artistico brasiliano, applicati a diverse generazioni di artisti.
Il lancio della Biennale Naïf nel 1992, da parte della prestigiosa istituzione nazionale SESC, è un esempio recente di artisti inizialmente visti nell’ambito dell’arte popolare e successivamente rietichettati come artisti contemporanei una volta che hanno ottenuto un sufficiente interesse da parte del mercato. È stato il caso di artisti come Carmézia Emiliano e Dalton Paula, premiati alla Biennale rispettivamente nel 2010 e nel 2008. Paula è ora rappresentata dalla prestigiosa galleria internazionale Lisson Gallery.
La riscoperta e la revisione della storia dell’arte brasiliana
Questo recente fenomeno di “riscoperta” di nomi un tempo riconosciuti coincide con una più ampia revisione della storia dell’arte brasiliana e con la crescente presenza di artisti e curatori neri e indigeni. Questi artisti non sono più visti come curiosità da cui trarre ispirazione, ma come importanti contributori alla storia dell’arte degni di canonizzazione. Dal 2016, la Pinacoteca di San Paolo e il Museu de Arte de São Paulo (MASP), due dei musei più importanti del Brasile, hanno allestito mostre personali di artisti populares come Agostinho Batista, Carmézia Emiliano, Conceição dos Bugres, José Antônio da Silva, Maria Auxiliadora e Madalena Santos Reinbolt.
Nonostante queste fluttuazioni di interesse, il defunto artista e curatore Emanoel Araújo, che ha fondato il Museu Afro Brasil di San Paolo nel 2004, ha sostenuto questi artisti fin dagli anni Novanta. Ma queste revisioni stanno avvenendo anche al di fuori del Brasile. A livello internazionale, José Antônio da Silva (1909-1996), la cui eredità è rappresentata da Eid, è attualmente oggetto di una mostra personale al Musée de Grenoble, in Francia. La recente mostra della Royal Academy “Brasile! Brasile! La nascita del Modernismo” ha incluso artisti storicamente classificati sotto l’etichetta di arte popular, come Djanira da Motta e Silva e Rubem Valentim, ma sono stati discussi in quella mostra anziché come importanti contributori all’ascesa del modernismo brasiliano e dell’arte del dopoguerra.
Antonio Almeida, cofondatore di Almeida & Dale ha dichiarato tempo fa ad ARTnews: “Si tratta di un movimento globale. Le istituzioni straniere si sono rese conto delle lacune nelle loro collezioni e hanno iniziato a prestare attenzione a ciò che stava facendo l’America Latina. Dedicando di conseguenza molta attenzione al Brasile, che vanta un circuito solido e una grande diversità nella sua produzione artistica”.
Ci sono differenze significative nei termini trattati riguardo all’Arte Popular Brasiliana
Sebbene questi termini (ingenuo, popolare, primitivo, outsider e autodidatta) siano spesso trattati come sinonimi nell’uso quotidiano, esistono differenze significative tra loro. Anche se le loro definizioni possono sembrare sfuggenti. Angela Mascelani, direttrice e presidente del Museu do Pontal di Rio de Janeiro, ha fornito una spiegazione concisa di queste sfumature. Nel suo libro del 2009, Museu do Pontal – O Mundo da Arte Popular Brasileira , sulla collezione del museo privato di oltre 8.000 opere di arte popolare brasiliana. Sottolinea che il “primitivismo” si afferma intorno al 1850 “nelle teorie evoluzionistiche che miravano a spiegare un’unica traiettoria storica umana”. Mentre l’arte primitiva emerge all’inizio del XX secolo per descrivere “la sensibilità estetica dei cosiddetti ‘popoli primitivi'”.
In Europa, in questo periodo, l’estetica dei popoli del continente africano e della Polinesia francese divenne riconosciuta per la sua potenza. E fu rapidamente fatta propria da artisti bianchi che lavoravano in stile postimpressionista, cubista e fauve come Gauguin, Picasso e Matisse.
L’arte naïf, spiega Mascelani, originariamente indicava “una visione del mondo più innocente, in cui i tormenti e gli enigmi della salute mentale vengono attenuati attraverso il trattamento estetico”. Gli artisti naïf potevano anche essere artisti dilettanti provenienti dalle classi medie e alte che si dedicavano alla pittura durante il tempo libero. Tuttavia, l’arte popolare può essere fatta risalire agli studi sul folklore che si diffusero in tutta Europa. Quando il termine fu coniato dallo scrittore inglese William John Thoms nel 1846 (“folklore”, che significa “conoscenza del popolo”) per designare un campo precedentemente noto come “antichità popolari” o “letteratura popolare”.
La collezione del Museu do Pontal
Parlando degli artisti della collezione del Museu do Pontal, che include José Antônio da Silva, Mestre Vitalino, Zé Caboclo, Noemisa Batista e Isabel Mendes da Cunha, Mascelani preferisce il termine “artistas populares”. In quanto descrive “artisti che emergono da centri di produzione di ceramica o da comunità che producono oggetti e utensili in legno”. In particolare durante l’industrializzazione del Brasile negli anni ’50. Questo riconoscimento coincise con un più ampio movimento per la costruzione di un’identità nazionale. Che portò questi artisti a passare dall’ambito artigianale all’arte popular e al più ampio sistema dell’arte.
Ma in questa transizione, questi artisti vengono privati di un modo di fare orientato alla comunità e rimodellati sotto il valore dell’autorialità individuale e, nel processo, diventano artisti contemporanei, secondo Mascelani, che aggiunge: “La capacità di alcuni artisti di creare uno stile distintivo è fondamentale affinché il loro lavoro venga riconosciuto come ‘arte’ e affinché il creatore venga riconosciuto come ‘artista'”.
Cristina Fernandes, storica dell’arte brasiliana indipendente che ha condotto ricerche sull’arte popolare e sul mercato e che in precedenza ha lavorato come docente presso il Museu de Arte Moderna de São Paulo, ha sostenuto che l’arte popolare è una categoria dai confini sfumati che tiene conto in modo imprevedibile dell’origine dell’artista, del suo status socioeconomico, della sua istruzione e del periodo di produzione.
I problemi di identità razziale nell’Arte Popular Brasiliana
Data la complessità del sistema razziale brasiliano, l’identità razziale era spesso un fattore taciuto nel contesto dell’arte popular. La classe sociale divenne la lente predominante attraverso cui osservare questi artisti. Questo fu il caso di Madalena Santos Reinbolt: era una donna nera, ma nella piccola cittadina di campagna di Rio de Janeiro in cui viveva, l’identità razziale non era articolata come lo è oggi. Invece di sottolineare che era nera, la maggior parte degli osservatori contemporanei sottolineava che era una lavoratrice domestica, etichettandola quindi come artista popular.
Di conseguenza, il recente dibattito attorno a questo concetto e la denominazione degli artistas populares come neri o indigeni rientrano nella revisione in corso dell’arte brasiliana. Rappresentano una ripresa storica fondata su questo nuovo quadro. Questo movimento è completato dall’emergere di una giovane generazione di artisti brasiliani contemporanei provenienti da gruppi sottorappresentati, che affrontano la razza come una questione politica.
Fernandes ha dichiarato ad ARTnews: “Mentre un tempo ‘art brut’ si riferiva agli artisti ricoverati in istituti psichiatrici o a coloro che erano considerati eccentrici. Il termine ‘outsider’ oggi comprende vari gruppi e culture al di fuori del mainstream”. Oggi, l’etichetta di outsider sembra essere una versione aggiornata di primitivo , ha detto, aggiungendo che “cambiare la parola per riferirsi a queste produzioni non umanizza necessariamente gli artisti”.
Quali sono gli artisti riclassificati e riscoperti
Un’artista che ha visto la sua popolarità crescere negli ultimi anni è Miriam Inês da Silva , nata nel 1939 nella campagna brasiliana e morta nel 1996. Studiò belle arti nel suo stato natale, Goiás, e si trasferì a Rio de Janeiro negli anni ’60. Qui continuò la sua formazione, frequentando i workshop tenuti dall’artista Ivan Serpa. Il suo lavoro iniziale come incisore le valse il riconoscimento. Inclusa la sua partecipazione alle edizioni del 1963 e del 1965 della Biennale di San Paolo. Ma quando si dedicò alla pittura negli anni ’60, fu etichettata come un’artista popolare.
Gomide, la cui galleria ha esposto le sue opere in una presentazione Kabinett ad Art Basel Miami Beach 2024, ha attribuito la sua categorizzazione come artista popolare probabilmente al fatto che “realizzava opere figurative in un periodo in cui non erano di moda, tra gli anni ’70 e ’90. E affrontava temi popolari: il Carnevale, il calcio e i musicisti di samba”.
Elisa Martins da Silveira (1912–2001), che studiò con Serpa negli anni ’50, ricevette un’etichetta simile, sebbene la cosa non sembrasse toccarla. “Che io sia o meno una pittrice primitiva, non è un mio problema: sono i critici”, affermò in un’intervista del 1955. In una recensione del 1954, il critico Mário Pedrosa affermò che l’artista “dipinge, come è noto, interamente d’istinto, dove la ‘figura’ è così dettagliata che i suoi elementi si trasformano in linee, piani e toni puri. Il risultato è una tela che ricorda un ricamo colorato e lucente, piena di ricchezza pittorica”.
Non dimentichiamoci di Prazeres e Reinbolt
Un altro nome di questo movimento attuale è l’artista figurativo Heitor dos Prazeres (1898-1966), che Almeida & Dale ha portato ad Art Basel in Svizzera lo scorso anno. Antonio Almeida, co-fondatore di Almeida & Dale.
Madalena dos Santos Reinbolt (1912-1976) è stata un’artista afro-brasiliana, un tempo considerata popolare, che ora sta guadagnando riconoscimento come parte di questo cambiamento interpretativo. La sua opera tessile, che presenta il ricamo come pittura, è stata recentemente oggetto di una mostra monografica all’American Folk Art Museum di New York, dove è stata esposta dopo il debutto al MASP nel 2022.
