Joeun Kim Aatchim artista di origine coreana ha esposto ampiamente da quando ha conseguito il Master of Fine Arts alla Columbia University nel 2017, dove si era iscritta su suggerimento di Kiki Smith, di cui era stata assistente. Da allora, ha tenuto mostre personali in gallerie di New York, Los Angeles, Guadalajara, Seoul e Madrid. Entro la fine dell’anno è prevista la sua prima mostra a San Paolo, presso la galleria Almeida & Dale. Lungi dall’essere dense, le forme convergenti di Aatchim possiedono una leggerezza impalpabile grazie alla traslucenza della seta che utilizza. Spesso, l’artista complica ulteriormente i suoi disegni sovrapponendoli, evocando la stravaganza delle doppie esposizioni o la vertiginosa geminazione degli anaglifi rosso-ciano visti senza occhiali 3D.
Conosciamo l’artista Joeun Kim Aatchim
Ne ha avuto abbastanza durante il suo percorso di studi per il master in Belle Arti alla Columbia University, tra il 2015 e il 2017. In quel periodo, ha realizzato numerosi mosaici d’imitazione e sculture in finto cemento che rappresentavano, in modo ironico e tangibile, se stessa: una “persona vulnerabile, facilmente feribile”, come si definiva lei stessa. “Credo che all’epoca fosse una questione di cinismo e sarcasmo”, ha dichiarato Aatchim in una recente intervista. “Ma non ho più tempo per queste cose. Farò tutto con sincerità.”
Negli ultimi tre anni, Aatchim ha creato delicati disegni su seta, sinceramente quotidiani nei loro soggetti e nelle loro narrazioni. Trae ispirazione dalla memoria e dall’osservazione per immortalare frammenti della sua vita: regali di amici, la compagnia del suo gatto bianco e nero Pepe Viskovitz, episodi della sua infanzia travagliata a Seoul. Eppure, i risultati sono leggermente distanti dalla realtà, spingendo gli spettatori a soffermarsi e a interpretarli.
Aatchim ritrae i suoi soggetti da molteplici prospettive, per cui arti possono sovrapporsi o oggetti possono sembrare scontrarsi. In diversi disegni di una cena a base di pesce (un riferimento a un momento di tensione della sua giovinezza) i corpi si intersecano con i piatti e il tavolo, rendendo difficile distinguere se la ragazza raffigurata sia seduta al tavolo o relegata a terra.
Arte “in movimento”: analizziamo alcune opere
Il dittico Bail Mother Melancholy (Sunday Garden Given Forgiven) (2021) inizialmente sembra composto da due disegni di bouquet, ma uno sguardo più attento rivela momenti più teneri dietro foglie e petali, come una donna in preghiera e una madre che pettina i capelli della figlia. “Sfrutto lo spazio per inserire quante più informazioni possibili perché sento l’impulso di annotare tutto prima di dimenticare”, ha detto Aatchim. “Cosa che non accade, perché ho un’ottima memoria”. Questa capacità, a suo parere, è dovuta al suo strabismo intermittente, una condizione oculare congenita che le causa una visione bidimensionale. Per evitare di urtare contro gli oggetti, Aatchim studia spesso la disposizione e il contenuto degli spazi: “ogni angolo, quanto entra ed esce”, ha spiegato. “Ricordo tutto”.
Receive-Her, but No Answer. Father’s Winter Hardy Camellia Tree, an Overdue Videotape, Unlocked Bedroom, the Light of Blessing, and the Fin (2022) fa rivivere vividamente l’appartamento della sua famiglia all’epoca, fondendo in un’unica stanza reliquie che sembrano comunicare in assenza di persone: un telefono staccato squilla sul pavimento piastrellato; lo schermo televisivo mostra un primo piano di una tastiera, solo una delle tante nel negozio di pianoforti al piano inferiore; un albero fiorito e una finestra con le tende fluttuano attraverso i muri per unirsi al gruppo. Aatchim ha realizzato questi disegni per compensare la mancanza di fotografie di questa casa, colmando le lacune della sua memoria con dettagli che la sua famiglia ricorda. Sono collage intimi di ricordi, che mescolano prospettive e il tempo di camminare in punta di piedi sul confine della realtà.
Quando questi disegni sono stati esposti all’inizio di quest’anno al Make Room, Aatchim è rimasta sorpresa da quante persone le abbiano detto di essersi sentite in sintonia con essi. “Quelle immagini sono personali, ma sono diventate quasi uno specchio della società di allora”, ha affermato. “Se fai le cose con sincerità, è contagioso. Inizi ad aprire gli altri e a parlare delle loro esperienze”.
Una persona nuova
Per molti anni, Aatchim non ha realizzato opere che parlassero della sua vita. Aveva anche preso una lunga pausa dal disegno dopo essersi trasferita a New York nel 2010, perché era “troppo strettamente legato alla mia identità e volevo essere una persona nuova”, ha detto. Ha esplorato diverse tecniche, tra cui la ceramica, la rilegatura, la grafica e il ventriloquismo, prima di tornare a disegnare nel 2019, in parte perché il disallineamento degli occhi, corretto chirurgicamente a 20 anni, si era ripresentato. “Ho deciso di non fare mai riferimento a nulla che non conoscessi, perché avevo la sensazione che il tempo sia molto prezioso”, ha detto Aatchim. “Ecco perché ho scelto soggetti che prima mi mettevano a disagio il trauma che conosco”.
Il disegno l’ha aiutata a svelare segreti e storie di famiglia, come ad esempio il fatto che sua nonna fosse una commerciante di seta che andava di casa in casa con campioni di tessuto. Queste coincidenze la spingono a continuare a cercare nel passato e nei suoi ricordi. “Mi sembra che siamo un’unica donna, che continua la sua esistenza”, ha detto. “Ho la sensazione di non essermi mai separata completamente da mia madre, e che mia madre non si sia mai separata completamente da sua madre. Forse siamo parte di questa donna, portiamo dentro di noi un dolore così simile.”
I disegni di Aatchim prosperano grazie alla sincronicità: un’immagine sovrapposta spontaneamente a un’altra può completarla, e scene completamente diverse possono richiamarsi a vicenda. Ci sono rime nella stretta di mani giunte in preghiera e nella presa di un ciuffo di capelli; nella tenerezza di una donna che pulisce le orecchie di un’altra e di una ragazza che taglia le unghie al suo gatto. Guardando il mondo attraverso gli occhi di Aatchim, si coglie facilmente la sua sincerità e il suo desiderio di preservare il significato e di registrarlo per sempre. “Ciò che mi risulta ancora difficile è l’imbarazzo di realizzare opere così, così sincere”, ha affermato. “Ma l’imbarazzo dura solo fino alla fine della mia vita. L’arte durerà dopo di me.”
