Ben Greene è un’artista noto nel campo dei videogiochi, ha di particolare che, nonostante tutto, disegna ancora coi pennarelli sul taccuino. Lui è un art director statunitense che lavora nel settore dei videogiochi. Questo significa spesso lavorare con i migliori software di grafica digitale. Ma al di fuori del suo lavoro quotidiano, trova spunti creativi lavorando in modo più tradizionale sui suoi album da disegno. Utilizza una vasta gamma di strumenti, tra cui pennarelli, brush pen, pennarelli Sharpie, matite meccaniche, penne a sfera, acquerelli, tempere e persino fogli metallici. Ben afferma di amare particolarmente disegnare con pennarelli e inchiostro e che la permanenza del mezzo lo stimola a risolvere problemi.
L’arte nei videogames: dalla pixel art all’arte 3D di Ben Greene
Durante i primi anni del gaming mainstream, intorno al 1980, giochi come Pac-Man e Space Invaders dominavano il mercato videoludico globale. La pixel art, nota anche come arte a 8 bit, era lo stile grafico predominante all’epoca. Gli illustratori erano incaricati di creare design su macchine personalizzate, altamente specializzate e costose per questo scopo.
Meno di un decennio dopo, i progressi tecnologici hanno permesso agli specialisti dell’illustrazione di utilizzare la risoluzione a 16 bit, che visualizza oltre 65.000 colori. In confronto, la risoluzione a 8 bit produce solo 256 colori, molto più limitati. Oltre a questi progressi, la risoluzione a 16 bit ha permesso a illustratori e designer di creare un livello di dettaglio maggiore nelle loro illustrazioni di gioco, consentendo una maggiore espressione artistica.
Facendo un salto in avanti fino ai giorni nostri, lo stile pixel art è comunemente utilizzato come un nostalgico tuffo nel passato, come dimostrato in giochi di successo come Stardew Valley (2016) e Dead Cells (2018).
La rivoluzione 3D
Ben presto, l’industria della grafica videoludica iniziò a sfruttare la tecnologia 3D. Battlezone (1980), Tempest (1981) e Star Wars (1983) furono alcuni dei primi successi a sfruttare la modellazione e il rendering 3D. Gli artisti furono in grado di migliorare costantemente il realismo offerto ai consumatori attraverso i loro vasti mondi poligonali.
“Il passaggio alla grafica 3D ha portato a un enorme cambiamento negli stili visivi dei videogiochi”, spiega EJaw Studio. “È stato un periodo di innovazione, in cui i game designer hanno esplorato l’uso del realismo e della stilizzazione per creare mondi virtuali realistici”. L’ascesa di nuove capacità grafiche ha aperto la strada a una varietà di generi che illustratori e grafici hanno potuto creare, tra cui avventura, giochi di ruolo, corse e altro ancora.
Il passaggio dalla definizione standard all’alta definizione (HD) ha inaugurato una nuova era nel settore dei videogiochi. Artisti e studi hanno potuto spingere i loro motori di gioco più in là che mai. Dalle texture sui muri all’erba su cui camminavano i personaggi, per gli artisti era più importante che mai continuare a spingere lo status quo.
Quali sono gli stili che definiscono i videogiochi?
Iniziamo con il Realismo: molti artisti e designer puntano al realismo nelle loro creazioni di videogiochi. È spesso uno degli aspetti più discussi dei moderni giochi AAA. Stilizzato: i giochi stilizzati adottano un approccio cartoonesco che spesso adotta un approccio creativo diverso rispetto al realismo, poiché gli artisti concettuali utilizzeranno meno riferimenti realistici.
Lo stile Astratto: I giochi astratti sfidano lo status quo su cosa significhi essere un professionista della game art. L’arte astratta più comune nei videogiochi include forme, colori e trame uniche. Prima che gli ambienti di gioco, i personaggi e le texture vengano visualizzati sullo schermo, devono tutti attraversare un processo di progettazione che può richiedere anni di lavoro. Tutto inizia con la concept art realizzata dagli illustratori, spesso utilizzata come materiale di riferimento. Questo può includere schizzi, disegni o dipinti di una bozza di come potrebbero apparire gli elementi nel gioco.
“La creazione di concept art nei videogiochi inizia con schizzi grezzi che aiutano i designer a scegliere tra diverse versioni e a scegliere il pezzo più promettente durante la fase di pre-sviluppo”, spiega lo studio di videogiochi Stepico . Una volta approvati i concept, il lavoro viene passato ai modellatori di gioco, ai texture artist e agli esperti di rendering nella fase di sviluppo. Il processo di progettazione, dallo schizzo alla realizzazione, non è affatto rapido. Infatti, il popolare gioco d’azione e avventura Metroid Dread (2021) ha richiesto ben 16 anni per essere completato.
