Le ombre sono fondamentali nell’arte, soprattutto per rappresentare la profondità ed evitare che le opere appaiano piatte. L’artista concettuale Jenny Brozek mostra come le queste possano dirigere lo sguardo dell’osservatore. Le ombre possono essere una risorsa preziosa per qualsiasi artista, anche per la character art. Sebbene le aree di relativa oscurità siano essenziali per trasmettere profondità e generare atmosfera, svolgono anche un’altra funzione: permettono all’artista di dirigere lo sguardo dell’osservatore.
Ombre: come vengono usate nell’arte digitale
Prendiamo l’illustrazione qui sopra. Qui l’artista concettuale austriaca Jenny Brozek guida il nostro sguardo sul volto del suo personaggio con l’aiuto di alcuni cunei affilati. Ci sono quattro personaggi nella scena, ma il volto del personaggio, di nome X, è il punto focale e la prima cosa che notiamo. Jenny ha creato quest’opera durante un workshop alla Underpaint Academy con Victor Maury, dove ha esplorato le varie tecniche utilizzate nella splash art di League of Legends. Uno dei suoi obiettivi era progettare una composizione d’impatto che riproducesse in modo discreto la forma del nome del suo personaggio: un burattinaio di nome X in missione per catturare i demoni fuggitivi.
“Ho usato delle zeppe, ombre nette che accentuano la forma, per guidare l’occhio dell’osservatore”, spiega Jenny durante un’intervista. “Il suo viso e le sue mani presentano il massimo contrasto e dettaglio, mentre il resto del dipinto ne asseconda il flusso senza ostacolare l’attenzione. Per me questo progetto è stato un salto nel vuoto, perché non avevo mai osato cimentarmi in questo tipo di illustrazione prima, ma ho imparato tantissimo nel processo”, aggiunge Jenny.
Jenny è la concept artist principale di Purple Lamp. Ama dipingere personaggi fantasiosi e mondi magici per videogiochi, con ambienti dettagliati e colorati pensati per far sentire i giocatori come se fossero entrati in un sogno.
L’importanza dell’illuminazione
L’illuminazione è un elemento fondamentale nell‘illustrazione digitale, poiché determina profondità, atmosfera e realismo. Comprendere le fonti di luce, le ombre e la temperatura del colore migliora la narrazione e l’atmosfera. Che si utilizzino sfumature morbide o luci intense, padroneggiare le tecniche di illuminazione dà vita alle illustrazioni e ne migliora l’impatto visivo. Ogni illustrazione che incorpora l’illuminazione inizia con l’identificazione della fonte luminosa. La posizione, l’intensità e la direzione della luce determinano il modo in cui un oggetto viene illuminato e come vengono proiettate le ombre. Una singola fonte luminosa intensa crea ombre intense e una messa a fuoco nitida, mentre più fonti luminose ammorbidiscono la scena e aggiungono complessità.
La luce naturale, come la luce del sole, cambia durante il giorno, producendo effetti diversi a seconda dell’ora e delle condizioni meteorologiche. La luce del mattino e della sera è più morbida e calda, mentre quella di mezzogiorno è più neutra e produce ombre nette. Le fonti di luce artificiale, come lampade, insegne al neon o candele, aggiungono atmosfere specifiche a un’illustrazione. Una fonte di luce calda crea un’atmosfera accogliente, mentre un’illuminazione fredda può conferire a una scena un aspetto futuristico o teatrale.
La retroilluminazione, l’illuminazione laterale e l’illuminazione dall’alto creano effetti visivi distinti. Un soggetto retroilluminato può apparire misterioso, mentre l’illuminazione laterale ne esalta texture e forme. L’illuminazione dall’alto imita la luce naturale del giorno ed è comunemente utilizzata per composizioni equilibrate. La scelta della giusta fonte di luce stabilisce le basi per la percezione della scena.
Il ruolo delle ombre è di fondamentale importanza
Le ombre definiscono la profondità e la struttura di un’illustrazione. Senza di esse, gli oggetti appaiono piatti e scollegati dall’ambiente circostante. Le ombre conferiscono un senso di peso, ancorando gli oggetti alle superfici e aumentandone il realismo.
Quelle proiettate si verificano quando un oggetto blocca una fonte di luce, proiettandone la forma su una superficie. I loro bordi variano a seconda dell’intensità della luce; una luce forte e diretta crea ombre nette, mentre una fonte di luce diffusa produce transizioni più morbide. Le ombre centrali appaiono all’interno di un oggetto, in aree che non ricevono luce diretta, contribuendo a definirne la forma tridimensionale. L’occlusione ambientale aumenta il realismo scurendo le aree in cui le superfici si incontrano, come pieghe, angoli o pieghe.
Poi influenzano la composizione rafforzando la profondità e guidando l’attenzione. Un’ombra ben posizionata può incorniciare un soggetto, mentre la sovrapposizione di più ombre crea un senso di stratificazione all’interno di un’opera d’arte. Regolare l’opacità delle ombre e le tecniche di fusione aiuta a mantenere un aspetto naturale.
L’effetto sull’umore
La luce trasporta il colore, influenzando il modo in cui un’illustrazione viene percepita. Il calore o la freddezza della luce influenzano il tono emotivo di un’opera, alterando la percezione dei personaggi e degli ambienti.
L’illuminazione calda, caratterizzata da toni gialli, arancioni e rossi, evoca comfort, nostalgia o intensità. È spesso utilizzata in scene con fuoco, tramonti o lume di candela. L’illuminazione fredda, dominata da blu e viola, crea un senso di mistero, calma o isolamento, comunemente riscontrabile nei paesaggi illuminati dalla luna o nelle ambientazioni futuristiche. L’illuminazione neutra, bilanciata tra toni caldi e freddi, mantiene l’attenzione sulle forme e sulle texture piuttosto che sull’atmosfera.
Mescolare luci calde e fredde nella stessa illustrazione può creare contrasti e profondità sorprendenti. Un soggetto caldo illuminato su uno sfondo freddo esalta la separazione, facendo risaltare il punto focale. Questo gioco di temperature di colore arricchisce la composizione e attira l’attenzione sulle aree chiave dell’opera.
Quali sono gli errori comuni da evitare con luci e ombre?
Errori di illuminazione possono indebolire un’illustrazione, rendendola innaturale o confusa. Uno degli errori più comuni è la direzione incoerente dell’illuminazione. Quando luci e ombre non si allineano con una fonte di luce chiara, l’immagine perde di credibilità. Stabilire una fonte di luce coerente fin dalle prime fasi del processo garantisce coesione in tutta la composizione.
L’uso eccessivo delle alte luci può ridurre il contrasto e rendere un’immagine piatta. Posizionare selettivamente le alte luci nelle aree in cui hanno il massimo impatto evita confusione visiva. Anche l’ombreggiatura con nero puro o grigio può rendere le ombre senza vita. Invece, incorporare il colore nelle ombre in base all’ambiente e alla fonte di luce aumenta il realismo.
La mancanza di contrasto tra diverse intensità luminose può far apparire un’illustrazione opaca. Rafforzare le transizioni chiaro-scuro e introdurre valori di illuminazione variabili migliora la profondità e la dimensione. Osservare le condizioni di illuminazione reali e studiare i riferimenti fotografici può aiutare a evitare queste comuni insidie.
