Arte Latina nel 2026: in un momento in cui l’arte sembra impossibile, è ancora in via di guarigione. Il 2025 è stato un anno particolarmente implacabile. Gennaio ha portato devastanti incendi a Los Angeles. Decine di artisti hanno perso le loro case e il loro lavoro. Altadena, per decenni centro creativo della creatività nera e, più di recente, patria di molti artisti, è stata colpita in modo particolarmente duro. Il terzo lunedì di gennaio ha portato qualcosa di molto peggiore e insidioso: l’inizio della seconda amministrazione Trump, che ha preso di mira sia le comunità di colore che il mondo dell’arte.
Arte Latina: le difficoltà del 2025
I raid dell’ICE si sono intensificati in tutto il paese, soprattutto nelle comunità prevalentemente ispaniche e nere, con il presidente che ha incoraggiato gli agenti dell’immigrazione a rapire prima e interrogare dopo. Il prezzo che questo ha pagato per i cittadini statunitensi, i residenti legali e gli immigrati clandestini è stato inaccettabile, straziante. E, francamente, difficile da esprimere a parole.
In questa crisi immediata, è comprensibile che alcuni possano trascurare l’attacco più ampio di Trump alle arti e alla cultura, in particolare il suo attacco alla Smithsonian Institution. Sarebbe un errore. I governi estremisti prendono di mira le arti perché ispirano gli oppressi a immaginare un modo di vivere diverso. Le arti offrono speranza. Senza di essa, le politiche draconiane possono essere attuate con facilità.
Il movimento artistico chicano
Molti artisti hanno creato risposte toccanti all’ondata di retate dell’ICE del 2025, come racconta Tara Anne Dalbow, collaboratrice di ARTnews, in un articolo di sintesi. All’elenco di Dalbow, aggiungerò un progetto speciale di AMBOS (abbreviazione di “Art Made Between Opposite Sides”), esposto al Frieze di Los Angeles a febbraio. Fondato dall’artista Tanya Aguiñiga, lo stand di AMBOS presentava ceramiche realizzate da migranti in attesa di udienze per la richiesta di asilo in Messico. Molte delle loro collaboratrici erano donne transgender.
La vendita di queste opere a prezzi accessibili, insieme a poster e fagioli, è stata realizzata a beneficio dei membri di questa comunità. E per offrire supporto economico durante queste complesse procedure di asilo, che al momento dell’inaugurazione del Frieze erano state tutte annullate dall’amministrazione Trump. AMBOS è stato un collettivo importante nel riflettere su come l’arte possa affrontare efficacemente ciò che accade nelle zone di confine. E aiutare coloro che sono direttamente colpiti dalla rottura del confine tra Stati Uniti e Messico.
Artisti chicanx e latinx nel confine
Il confine tra Stati Uniti e Messico, sia come divisione letterale che figurativa, è da tempo al centro dell’attenzione di artisti chicanx e latinx, come Consuelo Jimenez Underwood, di cui ho parlato nel numero annuale “Icons” di Art in America . In quell’occasione, Jimenez Underwood paragonò il muro a un ossimoro: “È bello e positivo, ma ha un’aria aspra”, disse. “È spaventoso vedere la propria comunità colpita da una linea arbitraria. Danneggia molte persone”.
Prima di visitare Jimenez Underwood ad aprile, ero a San Antonio, in Texas, dove era stata protagonista di una mostra personale ad Artpace . Per la sua residenza ad Artpace, Jimenez Underwood ha creato diverse opere che riflettevano sulla separazione tra la Terra e il cosmo. “È solo un altro confine”.
Queste parole mi sono tornate in mente quando ho visto un documentario sull’ Americas Society per una straordinaria mostra bipersonale di Beatriz Cortez e Rafa Esparza. Che casualmente si intitolava “Terra e Cosmo”. Le opere presentate dai due artisti miravano a sfidare il tempo e lo spazio, come Hyperspace: -100km + ∞ (2025), una riproduzione a grandezza naturale della testa olmeca portata a New York dal Messico per l’Esposizione Universale del 1965. L’omaggio di Esparza, tuttavia, appare distorto e deformato, come se fosse stato inserito in un cunicolo spazio-temporale che lo trasporta dal 1200-900 a.C. agli anni ’60 e fino al 2025.
Uno dei simboli dell’arte latina
“La testa olmeca è il simbolo di un momento in cui le opere d’arte latinoamericane furono portate a New York per parlare dell’America Latina, ma come parte di un passato. E ovviamente non è così”, come ha detto Esparza all’inizio di quest’anno. La mostra intendeva riflettere su come la curatela di oggetti culturali rifletta, o esponga, le narrazioni che le istituzioni occidentali impongono alle culture non occidentali. Cortez ed Esparza rifiutano questi interlocutori e le loro interpretazioni estranee.
Questi artisti presentano solo alcuni modi di pensare al confine tra Stati Uniti e Messico e a tutto ciò che comporta. Al Performance Space di New York , il compositore, musicista e artista performativo San Cha ha messo in scena un’opera sperimentale, intitolata Inebria Me (2025), basata sull’album del 2019 La Luz de la Esperanza . Ambientata nelle terre di confine, l’opera racconta la storia di Dolores, una donna sposata con un marito ricco ma violento, mentre esplora i suoi desideri queer per l’agenere Esperanza. Mescolando influenze provenienti dalle telenovelas, dal cattolicesimo e dall’educazione personale dell’artista nelle scene queer della Bay Area e di Los Angeles, San Cha presenta una storia che trascende il tempo. Offrendo un racconto inquietante ma in definitiva bellissimo in cui il desiderio e la speranza di una vita diversa prevalgono sul dolore e sulla violenza.
La pericolosità del confine emerge anche nel lavoro dello Studio Lenca , emigrato da bambino da El Salvador durante la guerra civile alla Bay Area e ora residente a Margate, nel Regno Unito. Durante l’estate, ha organizzato una mostra collettiva presso Kates-Ferri Projects a New York, con la partecipazione di artisti salvadoregni contemporanei, le cui opere esplorano la complessa storia e il presente di El Salvador.
Lo Studio Lenca
Negli ultimi anni, Studio Lenca ha collaborato con i migranti negli Stati Uniti in workshop per creare opere d’arte in formato cartolina che raccontassero le loro storie di migrazione. In qualunque modo esse potessero interpretare tale impulso. Questo corpus di opere, intitolato “Rutas” (Percorsi), è stato esposto alla Triennale 2024 del Museo del Barrio.
Alcune di esse ricordano in modo evidente i tortuosi viaggi attraverso il confine. Altre sono astratte, come ricordi sbiaditi di un tempo troppo doloroso da ricordare. Quest’anno, l’artista ha organizzato questi workshop due volte, in vista della sua mostra personale alla David Castillo Gallery di Miami. E nell’ambito dell’acquisizione da parte della piattaforma artistica La Escuela dello spazio Homeroom del MoMA PS1. Con il workshop in quest’ultima sede tenutosi all’inizio di questo mese.
La mostra di David Castillo presentava anche i dipinti di Studio Lenca, fantastici tableaux dell’artista che scivola, come se stesse danzando, attraverso il paesaggio. Al PS1, l’artista ha dipinto una riproduzione di questi autoritratti direttamente su una delle pareti del museo, a circa un mese dall’inizio della mostra. Nel complesso, Studio Lenca ci mostra un caleidoscopico arazzo di storie di migrazione.
Arte Latina: un riconoscimento per gli anziani
Nell’ultimo decennio, artisti a lungo sottovalutati, principalmente di colore, hanno finalmente ricevuto il giusto riconoscimento nel mondo dell’arte. Una tendenza che è proseguita fino al 2025, soprattutto sul fronte istituzionale. Ciò è avvenuto anche quest’anno al Museo del Barrio, che ha ospitato due importanti rassegne dedicate a Candida Álvarez e Coco Fusco .
Alvarez è diventata nota per le sue vorticose astrazioni ricche di colore. E El Museo ha messo in luce come i suoi primi lavori le anticipassero. Questa gradita intuizione sulla pratica di Alvarez avrebbe potuto essere approfondita da un’esplorazione più approfondita delle sue astrazioni più recenti. Avrei apprezzato un’analisi più approfondita dei suoi innovativi “Air Paintings”, realizzati dopo l’uragano Maria. Uno dei quali ha dato il nome alla triennale 2020/21 di El Museo.
A ulteriore dimostrazione della bravura e dell’importanza dell’artista, Gray ha allestito una mostra bipersonale nella sua galleria newyorkese, tra Alvarez e Bob Thompson. Abbinando nuove opere della prima con pezzi storici del 1960-65 del secondo. La mostra, la prima di Alvarez in una galleria newyorkese in circa trent’anni, ha messo in luce gli approcci unici ma complementari dei due artisti al colore.
