Simz rivela i suoi 12 migliori consigli per una fantastica arte dei fumetti. Dall’aggiunta di un pizzico di umorismo alla scelta dei pannelli perfetti, Simone Ferriero condivide alcuni consigli da professionista. Sebbene molti artisti possano affermare che esistano regole e tecniche fisse per creare fumetti, la verità è che tutto può funzionare! Non ci sono limiti, a parte noi stessi, all’aspetto grafico o all’approccio. Tutto dipende dal risultato finale che l’artista desidera ottenere. Anche quando ci liberiamo da qualsiasi regola e restrizione, direi che alcune buone pratiche possono essere utili se abbiamo obiettivi specifici in mente.
I consigli di Simz
È importante rendere un personaggio memorabile agli occhi del lettore. Oltre allo stile, la qualità più importante è la sua distinguibilità dal resto del cast. Una buona pratica è disegnare un cast con forti differenze di forma, silhouette e manierismi. Evitate la classica posa statica quando progettate un personaggio e cercate di dargli personalità fin dall’inizio. Questo vi aiuterà a capire quanto sarà memorabile.
La trama di un fumetto spesso finisce per essere intricata, dettagliata e contorta. I personaggi si muovono tra aree, pagine e scene in continuazione. Ogni volta che scrive una storia, cerca di ricordarsi di dare loro il tempo di respirare e di essere umani; lo sviluppo della trama può aspettare. A volte una piccola azione, un’espressione o un dialogo funzionano meglio di 1.000 punti della trama. La profondità di un personaggio è data da quanto bene lo vediamo superare le sue difficoltà e acquisire esperienza. Questo è ciò che rende un personaggio riconoscibile per i lettori.
Utilizzare una vasta libreria visiva dipende dalla capacità di un artista di ricordare i dettagli di qualcosa che non ha di fronte. Quando si crea un fumetto, è normale confrontarsi con argomenti mai visti prima. Il modo migliore per farlo è raccogliere riferimenti, sia di persona, realizzando schizzi dell’oggetto, scattando una foto, sia trovando i riferimenti necessari online.
Aggiungere un pizzico di comicità è importante
A volte aggiungere un pizzico di comicità o creare strisce comiche divertenti può essere un esercizio interessante: le storie non devono essere sempre serie o profonde. Quando raccontano la storia di un fumetto, lo scrittore o il disegnatore spesso si concentrano sulla tradizione, sui legami tra i personaggi e sulla costruzione del mondo.
Questi sono aspetti vitali di un progetto, ma anche l’umorismo è importante e può creare un piacevole ritmo tra momenti intensi e momenti più leggeri. Per i principianti, lavorare su brevi fumetti o strisce che coinvolgono la comicità può essere un buon esercizio. Essere divertenti può essere impegnativo quanto trasmettere azione e dramma.
Lo stile di un artista è profondamente legato alle sue convinzioni, alle sue esperienze e alla sua personalità. In un fumetto, tuttavia, questo stile potrebbe rappresentare un limite quando ci si trova di fronte a storie che non gli si addicono. Ad esempio, uno stile colorato potrebbe essere dannoso per un’atmosfera di paura in una storia horror. In una storia d’azione, un tratto delicato farà fatica a comunicare un senso di energia, drammaticità e potenza. Adattare il nostro stile alla storia è un ottimo modo per assicurarci che il pubblico sappia esattamente cosa provare mentre legge un fumetto.
Simz consiglia di variare la forma dei pannelli
Con l’avvento di Internet, i fumetti vengono condivisi online in nuovi formati che a volte riflettono i metodi tradizionali, ma anche in modi inaspettati che sfruttano i dispositivi su cui vengono condivisi o il sito web ospitante. Utilizzare il giusto stile di vignettatura e comprendere il mezzo su cui verrà pubblicato il fumetto è un fattore chiave. Ogni formato crea aspettative diverse ed è importante utilizzare gli strumenti al meglio delle loro capacità, massimizzando gli spazi e giocando con il formato stesso.
La forma delle vignette è uno degli aspetti più importanti di una pagina a fumetti. Possono avere qualsiasi forma e dimensione, ognuna delle quali si adatta al lettore in modo diverso. Mentre mantenere l’arte all’interno della vignetta può garantire un’esperienza di lettura più facile, una pagina con personaggi che emergono dalle vignette potrebbe essere adatta a un fumetto d’azione.
Ogni scelta comporta un compromesso: vignette equamente distanziate possono funzionare bene per una graphic novel incentrata su dialoghi e storia, mentre una disposizione più esuberante delle vignette potrebbe essere adatta a un fumetto di supereroi.
Usa la scienza del colore
Il colore ha un profondo impatto sulle persone. Simile alla colonna sonora di un film d’azione, il colore può cambiare completamente la percezione di una scena. In questo esempio, i colori sono chiari e conferiscono al personaggio un aspetto soleggiato, perfetto per una scena all’aperto ambientata al mattino.
La teoria del colore è profondamente legata alla psicologia, e un artista può tenerne conto quando colora la propria opera. In questa versione, i toni del rosso conferiscono drammaticità all’opera e sono più adatti a un momento intenso. Le evidenziazioni guidano anche l’attenzione del lettore su aree specifiche di un disegno.
Provate diverse palette di colori per una scena e assicuratevi di trovare quella giusta. In questo terzo esempio, i toni sono blu e desaturati, il che aiuterebbe a comunicare un momento inquietante, un momento particolare della giornata o forse il conflitto interiore del personaggio.
Ultimi consigli utili
L’arte digitale tende a essere estremamente raffinata, pulita e nitida, mentre le illustrazioni realizzate con tecniche tradizionali sono spesso più grezze e organiche. A seconda del progetto, delle nostre preferenze e dell’obiettivo che vogliamo raggiungere, possiamo scegliere l’una o l’altra. Tuttavia, vale la pena considerare anche un ibrido. Ad esempio, quando si lavora in digitale, l’aggiunta di texture o l’uso di pennelli strutturati può restituire alcune delle sensazioni spesso riscontrabili nei media tradizionali, senza perdere la potenza che gli strumenti digitali conferiscono al processo creativo.
Nei fumetti professionali, il lettering è spesso un compito assegnato a un professionista. Ma non è sempre così e, come ogni altra cosa nei fumetti, è uno strumento che può essere utilizzato per trasmettere un messaggio. L’utilizzo di palloncini fatti a mano o di forme perfette, e la scelta tra scrittura a mano e font sono scelte che influenzeranno le aspettative del lettore. Non esiste una regola fissa e mi piace investire tempo nella scelta dell’estetica più adatta al progetto.
Prima di ogni fumetto lungo, intricato e tumultuoso, nasce il concept iniziale. Quando devo descrivere le mie idee a editori o colleghi, preferisco usare un approccio semplice. Cerco di disegnare una scena breve e toccante che descriva al meglio l’idea che ho in mente. Consideratelo come la versione fumettistica di un elevator pitch. Questa breve sequenza di fumetti o vignette darà al lettore un’idea precisa di dove voglio arrivare, qual è la storia, lo stile e l’atmosfera che voglio creare. È un ottimo modo per ricevere feedback sul tuo progetto.
Simz ci consiglia di essere noi stessi
Qual è il tuo stile? Come l’hai trovato? Queste sono alcune delle domande più comuni che gli vengono poste. È un grande complimento e prova un senso di orgoglio sapere che il suo lavoro suscita curiosità. Il suo consiglio è di essere sempre te stesso e di dimostrarlo nel lavoro e nella vita.
Impara e si lascia ispirare dagli altri, ovviamente, ma fa anche un passo indietro e riflette su sé stesso, mettendo in discussione le sue convinzioni. Cercando di capire cosa gli piace, cosa lo rende felice e dove sta andando. Questo dà alla sua arte e alle sue storie una voce profondamente legata a sé come persona, il che le aiuta a sembrare più reali.
Cerca di entrare in contatto con le comunità e di scoprire le ultime tendenze, cosa fanno le persone e così via. Nuove esperienze, magari un viaggio o un piccolo hobby, possono contribuire a rendere le nostre opere più comprensibili. Non tutto ciò che facciamo sarà ben accolto. Ho sempre pensato che se a qualcuno piacesse la mia arte, gli piacerebbe anche tutto ciò che faccio. Ovviamente non è così, e spesso ciò che crea non viene ben accolto. Questo non significa sempre che la sua arte non piaccia, ma che non sia interessante per il pubblico, e va bene così! Imparare dalle esperienze deludenti è ciò che ci fa crescere come artisti. Capire cosa è andato storto e decidere cosa fare con queste informazioni è ciò che ti renderà un fumettista esperto.
