Maria Helena Vieira da Silva la mostra itinerante a Venezia: un tempo oscura modernista, è nel pieno del suo tempo (artisticamente parlando). È appropriato che un’importante rassegna delle labirintiche astrazioni dell’artista franco-portoghese (1908-1992) abbia luogo a Venezia, una città le cui strade labirintiche si aprono inaspettatamente in piazze. In questi dipinti, piani patchwork di vivaci quadrati simili a piastrelle si intersecano e si allungano, mentre impalcature di linee intrecciate fluttuano in una dimensione tutta loro. Rivelano aperture e fessure nascoste, e il loro significato si approfondisce man mano che le si osserva.
Il momento di gloria delle opere di Maria Helena Vieira da Silva
Queste opere stanno vivendo un momento di gloria dopo un periodo di oscurità. Sono state le principali attrazioni di una grande mostra itinerante tenutasi a Marsiglia e Digione tra il 2022 e il 2023. Esposte nella mostra “Women in Abstraction” del Centre Pompidou del 2021, che ha contribuito a riportare Vieira da Silva al centro dell’attenzione del grande pubblico. È probabile che questo slancio non faccia che crescere la sua retrospettiva veneziana, alla Collezione Peggy Guggenheim fino al 15 settembre. Poi si trasferirà poi al Guggenheim di Bilbao in Spagna.
A differenza della maggior parte delle artiste della sua generazione, Vieira da Silva era una star ai suoi tempi. Fu inclusa nella storica “Exhibition by 31 Women” del 1943 presso la galleria Art of This Century di Peggy Guggenheim a New York e, a metà degli anni ’50, aveva esposto due volte alla Biennale di Venezia e portato le sue opere in città lontane come Rio de Janeiro e Stoccolma. Lei e il marito, l’artista ebreo-ungherese Arpad Szenes, formarono una coppia di celebrità, frequentando altri artisti d’avanguardia a Parigi, dove la coppia si incontrò, studiò e visse tra la fine degli anni ’20 e ’30 e dopo la Seconda Guerra Mondiale.
Vieira da Silva ebbe più consensi e più successo di Szenes, una rarità per l’epoca. Georges Braque incoraggiò personalmente Vieira da Silva a continuare a lavorare e Fernand Léger le insegnò mentre era studentessa all’Académie Moderne di Parigi nel 1929. Imparò anche la scultura con Antoine Bourdelle, che fu poi assistito da Germaine Richier e Alberto Giacometti.
La sua popolarità aumenta
Vieira da Silva è ora oggetto di un nuovo fascino perché “non rientra esattamente in nessuna categoria, ma affronta temi più ampi che parlano molto del nostro presente”, afferma la curatrice del Guggenheim Flavia Frigeri, recentemente nominata direttrice curatoriale e delle collezioni della National Portrait Gallery di Londra.
In particolare, Frigeri ha fatto riferimento alle rappresentazioni della tragedia umana realizzate dall’artista durante la Seconda Guerra Mondiale. In queste opere figurative, persone di origine o convinzioni politiche sconosciute vengono travolte da un caos e da una violenza sconvolgenti, che non riescono né a controllare né a sfuggire. I loro corpi sono resi con tratti semplificati, spesso spigolosi e appiattiti, che si fondono con i paesaggi cubisti che li circondano. Uno di questi dipinti memorabili si intitola ” Il disastro” (1942).
Frigeri afferma che queste opere sono tra quelle che “spiegano perché la stiamo riscoprendo o perché ho ritenuto importante riscoprirla”.
Maria Helena da Silva incuriosisce anche la generazione più giovane
La pratica dell’artista ha anche suscitato la curiosità di una generazione più giovane che non conosce il suo lavoro, in parte perché sembra sfuggire alla classificazione tradizionale. “Non siamo riusciti a trovare alcun collegamento diretto tra l’artista e alcun movimento artistico”, ha affermato Naïs Lefrancois, curatrice del Musée des Beaux-Arts di Digione, che ha co-organizzato la mostra Vieira da Silva del 2022. L’artista è stata precedentemente associata da alcuni al movimento dell’Arte Informale degli anni ’40 e ’50, ma Lefrancois ha affermato che il collegamento non regge del tutto. “Insisteva per non far parte di un gruppo e voleva mantenere la sua libertà. Non voleva essere classificata e categorizzata”, ha spiegato Lefrancois.
Fu proprio questa caratteristica così sfuggente ad affascinare Frigeri nei dipinti di Vieira da Silva quando li vide per la prima volta alla Tate Modern, dove aveva lavorato in precedenza. “Non riuscivo a collocarla con precisione”, ha detto Frigeri.
Véronique Jaeger, la cui bisnonna fu la prima a dedicare a Vieira da Silva una mostra personale. La cui galleria omonima Jeanne Bucher Jaeger (che ora è presidente e direttrice della galleria di famiglia) rappresentò l’artista per tutta la sua vita, ha affermato che il mondo era ormai pronto per artisti come lui. “Ci troviamo costantemente in situazioni in cui possiamo prendere una strada o l’altra, e tutte queste prospettive, presenti nei suoi dipinti. Questa era più o meno la sua visione. C’è sempre un’apertura da qualche parte. Anche nei dipinti in cui abbiamo l’impressione che sia chiusa, c’è un’uscita”.
Era un’artista aperta a molti stili diversi
La stessa Vieira da Silva trasudava un’apertura verso una vasta gamma di stili artistici. Era interessata al Futurismo, al Cubismo, agli affreschi medievali e alla geometria degli azulejos ispano-arabi , diffusi in tutta Lisbona, dove era nata e cresciuta con la madre e i nonni. Viaggiò in Europa con la famiglia per ammirare l’arte, e fu sostenuta nelle sue ambizioni creative. Grazie al nonno che gestiva un giornale, poté tenersi aggiornata sugli eventi culturali, alimentando il suo interesse per il modernismo.
Anche gli spazi che dipingeva erano porosi: sembravano rompersi, fondersi e crescere. Una volta disse: “I miei ultimi dipinti spesso presentano forme che altri vedono come case, ma che per me sono interni con porte e finestre, non esattamente stanze ma piuttosto ingressi. Per me la porta è un elemento molto importante. Da molto tempo ho la sensazione di trovarmi di fronte a una porta chiusa, con cose essenziali che accadono dall’altra parte, cose che non posso né sapere né vedere. Ed è la morte che mi aprirà la porta”.
Lo sviluppo degli spazi mutevoli
Ma ci volle del tempo per sviluppare quegli spazi mutevoli. La sua mostra alla Collezione Peggy Guggenheim si concentra in modo particolare sulle opere realizzate negli anni ’30, ’40 e ’50, con particolare attenzione all’influenza delle sue prime sculture e degli studi di anatomia umana, offerti qui come punto di partenza per l’astrazione di Vieira da Silva e come mezzo per esprimere il suo interesse per lo spazio, sia reale che immaginario. L’artista studiò anatomia nell’ambito del suo programma di belle arti presso l’Escola de Belas Artes di Lisbona negli anni ’20 ed era nota per portare a casa sacchi di ossa per disegnarle. Jaeger disse sul fatto che dipingeva molto lentamente:
“Passa dall’interno del corpo allo spazio. Era un po’ come una funambola, che camminava lungo un filo mentre sperimentava ed esplorava lo spazio mentre dipingeva lentamente. C’era molto silenzio. Parlava poco, ma viveva intensamente tutto ciò che la circondava”.
Figlia unica, nata in una famiglia benestante di Lisbona e istruita a casa, Vieira da Silva trascorreva ore da sola, frugando nella biblioteca di famiglia, che includeva libri sia sull’arte del passato che su quella del presente. “Mi sono rifugiata nel mondo dei colori, nel mondo dei suoni. Credo che tutte queste influenze si siano fuse in un’unica entità, dentro di me”, disse una volta. Una volta, quando era ancora bambina, si perse in un labirinto, in quella che si rivelò un’esperienza indimenticabile. Spesso sono le cose che incontriamo nella nostra vita a darci l’ispirazione che ci serve.
