William Scott è un pittore britannico che ha trasformato la quotidianità in un capolavoro. Le nature morte essenziali di Scott, raffiguranti pentole e padelle, sono state dimenticate nella corsa inebriante verso la pop art. Scott dipinse nudi e paesaggi eccezionali, ma le “pentole e padelle” rimangono il suo marchio di fabbrica: soggetto dei suoi dipinti verso la fine della Seconda Guerra Mondiale, erano ancora presenti nelle sue opere più minimaliste degli anni Settanta. Scopriamo questo artista, se ancora non lo conoscete, sono sicura che vi piaceranno le sue opere e il suo stile.
William Scott: un pittore da rivalutare
Alla fine degli anni ’40, William Scott (1913-1989) si rese conto che “se la chitarra era per Braque la sua Madonna, la padella poteva essere la mia chitarra”. Descritto dall’illustre critico Hilton Kramer come “il miglior pittore della sua generazione in Inghilterra”. Scott è spesso ammirato per le sue nature morte da cucina, raffiguranti pentole, padelle, ciotole, piatti di sgombro, pere e così via, tutti resi in modo semplice e sobrio. “Ho scelto oggetti privi di qualsiasi fascino”, disse (“qualche uovo, una forchetta per tostare”): “Volevo che i miei quadri avessero un valore pittorico, non letterario”.
Eppure, sebbene affermasse di voler guardare “attraverso gli occhi di Chardin “, le nature morte di Scott sono tutt’altro che naturalistiche. Tutti i suoi dipinti, qualunque sia il soggetto, dissolvono la distinzione tra astratto e figurativo. Le ciotole su un tavolo spoglio in realtà “riguardano” il rapporto tra forme piatte su ampie superfici di colore, pensate ad esempio a Rothko piuttosto che a Morandi. C’è una tensione e un lirismo in loro, e sono immensamente piacevoli e appaganti da guardare.
Negli anni ’50, Scott era noto come un pioniere dell’astrazione in Gran Bretagna ed espose accanto a Ben Nicholson, Terry Frost , Victor Pasmore e Patrick Heron . Nel mondo dell’arte britannico, l’astrazione era ancora vista con sospetto; al di fuori di quel mondo, aveva un fascino altamente specializzato. Nel 1962, il principe Filippo, allora più incline alle gaffe che mai, disse quasi inevitabilmente di una delle tele di Scott: “Sei sicuro che sia orientata nel verso giusto?” (Ci fu un polverone sui giornali.)
Un pittore convinto di avere uno stile astratto
Scott insisteva di essere un pittore astratto, proprio come riteneva lo fosse anche Chardin. Le pentole e la frutta erano prive di interesse in sé. Erano semplicemente “il mezzo per creare un quadro”, che era uno studio sullo spazio, sulla forma e sul colore. Le forme che sceglieva erano così elementari che non si limitavano mai a pentole e stoviglie. Ciotole strette su un tavolo potevano evocare rocce accatastate su un muro a secco o barche rifugiate in un porto.
E poi c’è l’elemento erotico, l’allusione di Scott al fatto che “dietro la facciata di pentole e padelle a volte si nasconde un’altra immagine, un’immagine privata, intuita più che vista”. Se le pentole e le pere avevano un significato erotico, diceva, era “probabilmente dovuto al mio amore per il primitivo e per l’elementare”. La padella comprende, in sostanza, un cerchio e una linea, e decine di critici hanno discusso le intime relazioni tra i suoi oggetti e l’elemento sessuale presente nella sua opera.
Sono dipinti da custodire gelosamente, eppure, in William Scott , pubblicato dalla Tate in occasione della mostra di St Ives, Sarah Whitfield scrive che “se mai la reputazione di un artista avesse urgente bisogno di essere salvata, quella è proprio quella di Scott”.
Gli anni ’50 furono la svolta per William Scott
Gli anni ’50 furono il decennio della sua svolta, e nel 1961 David Sylvester osservò che aveva acquisito “la più solida e completa reputazione internazionale di qualsiasi pittore britannico vivente, a parte Nicholson”. Ma anche quando la Tate gli dedicò un’importante retrospettiva nel 1972, aveva iniziato a perdere popolarità. Le ironie della pop art lo resero rapidamente antiquato.
Come osservò un commentatore, Scott aveva subito “trascuratezza… fin dall’inizio del culto pop e dalla successiva isteria post-McLuhan, che ha portato a confezionare qualsiasi tipo di arte americana come l’unica cosa che vale la pena avere”. Quando la Royal Academy organizzò la sua mostra del 1987, British Art in the 20th Century , fu completamente escluso.
Di recente ci sono stati segnali che la cerchia di ammiratori di Scott si sta allargando, non da ultimo nelle case d’asta: insieme ad altri capolavori britannici del XX secolo, le sue opere hanno registrato un forte aumento di prezzo, arrivando a raggiungere quota 500.000 sterline o più. E entro la fine del 2013, anno del suo centenario, non potrà che essere più conosciuto. Sono previste numerose attività dedicate a Scott: la mostra alla Tate è itinerante e in continua evoluzione dopo St Ives. Un’altra mostra fu al Jerwood di Hastings. E un vasto catalogo ragionato, curato da Whitfield, è esposto da Thames & Hudson. Scott non è mai stato esattamente sconosciuto, ma il suo recupero della reputazione è comunque in corso.
La sua vita
William Scott nasce in Scozia e cresce a Enniskillen, nell’Irlanda del Nord, figlio di un pittore di insegne e di 11 fratelli. In seguito ricorda questo ambiente come “molto austero, con una filosofia di vita, un rigido protestantesimo, da cui non si può sfuggire facilmente”.
L’idea di austerità gli rimase impressa: “Trovo la bellezza nella semplicità”, disse, “in una concezione precisa”. Quando il padre di Scott morì cercando di aiutare i pompieri a liberare le persone da una casa in fiamme, il Consiglio di Fermanagh raccolse i fondi per mandarlo, all’età di 15 anni, al Belfast College of Art , e da lì alla Royal Academy. Fu uno studente di successo e visse una vita bohémien e senza mezzi a Chelsea, condividendo case con altri pittori e con Dylan Thomas, che non ebbe mai una stanza tutta per sé, dormendo semplicemente sul pavimento usando i pantaloni come cuscino.
Scott fu attratto dai primi italiani e dal realismo primitivo dei pittori della Cornovaglia Christopher Wood e Alfred Wallis: nutrì un interesse duraturo per l’arte infantile, “la bellezza delle cose mal fatte”. Ma il dipinto che ammirava più fervidamente era francese: si diceva che fosse rimasto “incantato” alla prima visione di una natura morta di Matisse. Beh, chi non ama Matisse?
